Podríamos colocar El Incidente dentro de ese grupo de obras, vease Monstruoso o Southland Tales, que nos están llegando enmarcadas todas ellas en un apocalíptico presente donde los horrores y problemas del mismo se entremezclan con las tragedias emocionales de los protagonistas. Si en la joven del agua, su particular ocho y medio, Shyamalan, se exploraba a si mismo y su cine en busca de algunas claves que ayudasen a entender su obra y todo aquello que la ha rodeado. En el incidente el director indio vuelve a radicalizarse en su planteamiento formal y en su particular forma de entender el cine. En la que es la mirada de un autor clave en los tiempos que corren empeñado en luchar a la contra.

En su clasicismo intrínseco Shyamalan ha conseguido aunar en un solo film características especificas de sus anteriores obras en la que es sin duda alguna su apuesta más arriesgada llevando al extremo con gran acierto esquemas estilísticos y arguméntales ya presentados a lo largo de su filmografía. Sigue bebiendo de los clásicos con maestría y gran precisión (incluso de si mismo con enorme habilidad) para deconstruirlos y hablarnos a la cara sobre nosotros mismos y nuestros miedos más cercanos. Los males de nuestros días, cataclismos emocionales en pleno fin del mundo. Los pájaros pero sin pájaros. Sucesos inexplicables de los que solo se puede huir mediante lo más cercano y tangible, lo único real cuando todo se va a la mierda, el amor. La fé en que la vida sigue su curso natural a pesar de que otras guerras vendrán.

Te echaremos mucho de menos Sergio, mucho.

Gracias.

Descansando un poco de la marabunta Indiana Jones que sacudió nuestras apacibles vidas hace cosa de dos semanas y con la visión lejana de todas las críticas, comentarios y debates formados que nos invadieron tras el esperadísimo regreso del Dr. Jones uno no puede más que seguir reafirmándose en su opinión sobre lo visto y también sobre todo lo oído y leído que la ha rodeado durante este tiempo.

El regreso no solo es satisfactorio en su resultado final tanto en cuanto da lo que podía esperarse a estas alturas de una nueva aventura de uno de los mayores iconos de la historia del cine. Si no que el trío Spielberg-Lucas-Ford optan por rendir homenaje al propio personaje y a ellos mismos antes que al sector fan recalcitrante que tan mal ha envejecido en contraposición con el propio personaje. Y es esa una de las decisiones más importantes y acertadas de la película, puesto que engrandece el sentido de la aventura por la aventura y de la propia existencia de esta parte final. Una cuarta parte que es sin duda la más referencial de todas o por lo menos de un modo más descarado de forma que los guiños se vuelven más numerosos y evidentes no ya a la propia saga en si (que lo es), si no a toda esa clases de películas que ejercieron de educación sentimental de las dos cabezas visibles de este proyecto. Y que siempre formaron parte de un modo u otro del universo particular de Indiana Jones, algo que algunos parecen olvidar a estas alturas. No solo sigue homenajeando de forma elogiosa y con verdadero sentido de lo espectacular y lo maravilloso a todos los comics primigenios de aventuras, historietas Pulp, pelis de Serie B como ya hacía hace 20 años. Si no que se adapta a los tiempos y la década de los 50 queda retratada de manera brillante en sus más vistosas aportaciones que se otorgaron a la cultura pop del momento.

Porque esto señores, sigue siendo un viaje de diversión sin frenos, muy corto de nuevo y más imperfecto e inverosímil si cabe, más Serie B que ninguna de las tres anteriores y a cuya escena final solo alguien sin corazón puede confrontar. Parte de su encanto reside en esa locura en cuyos poliédricos matices da gusto perderse. No, no es perfecta, tiene defectos y varias cosas mejorables, claro, pero una película de Indiana Jones debe de dejar a un lado la perfección, de eso se trataba.

En esta santa casa se venera la figura de Larry David por encima de todas las cosas. Y la de Ricky Gervais casi por igual. Su patetismo, es el nuestro, y sus grandezas son las muestras de humanismo más importante que ha dado la televisión.

El humor como muestra del patetismo vital del ser humano llega a España con “Tu antes molabas”. Antonio Castelo, no ha hecho Seinfeld, ni se hace pasar por un extra gilipollas, pero haber colaborado en la ultima hornada de CQC es suficiente para servir como genial punto de partida para una serie que promete grandes hazañas.

Buenísimo joder, Mar flores, Blanca romero, Brian de palma, los dvd de Salvados por la campana.… “¿tu sabes porque no estoy en el caiga, porque me tiraron? –Porque los cojones que tengo, no me cabían en el traje”. Y encima con canción de Los Summer. A que esperan.

Existe una costumbre bastante arraigada entre la crítica cinematográfica y los creadores de opinión en general, de utilizar el término de videojuego en referencia a una película de forma peyorativa para restar los valores de la misma. Y es algo que me chirría bastante, puesto que considero que los videojuegos son, en si mismos, hoy por hoy, uno de los medios artísticos más interesantes, importantes e imaginativos de la industria del entretenimiento actual y por tanto una fuente casi inagotable de poderosas ideas de expresión de las que el cine puede y debe nutrirse. Ignorarlo o simplemente mirarlo por encima del hombro es una actitud equivocada y rancia.

El cine de acción como género cinematográfico más puro que existe ve de alguna manera reflejado en un medio como el de los videojuegos una vía de expresión nueva de constantes y formulas ya utilizadas con anterioridad, pero que allí adquieren una nueva dimensión y profundidad hasta entonces inexploradas, y es el propio genero el que tiene que aprovecharse de ello e implantar las nuevas técnicas visuales y narrativas para jugar con ellas y explotar las posibilidades al máximo. Crank lo consigue, y es por meritos propios una de las películas de acción más jodidamente espectaculares en años.

La película que mejor ha sabido captar la iconografía y la esencia de los videojuegos más locos y gamberros, made in Grand Theft Auto, es Crank, en su formato de viaje adrenalítico, burro e hiperbólico, donde la acción se convierte en el propio viaje y deja de ser un vehículo más en servicio de un fin para ser su propio fin. Por momentos paródica y tremendamente honesta en su propuesta llevada hasta el extremo con gran sentido del ritmo y la acción. Un dardo envenenado tremendamente certero, rápido y necesario. Acción por la cara, y de la buena.

O Crawl Babies. Stephen. La belleza de la imperfección. El encanto de los días más grises. Escocia. The Pastels…

Que complicado resulta ver en estos tiempos de zozobra intelectual, donde presumiblemente predomina una actitud moderna y transgresora frente a los cánones impuestos por la industria cinematográfica, gente que verdaderamente tenga los cojones de formular nuevas vías de expresión y reformulación propia del genero en el cine de terror y no limitarse a la recurrida pose y al esteticismo vacuo tan aplaudido hoy en día.

Porque señores tiene mandanga la cosa, de que tenga que venir un tipo con los huevos bien negros como Romero para innovar en un género que estaba siendo victima de sus propias virtudes a manos de jóvenes realizadores de torpes y anquilosadas formas de entenderlo. Reformulando unos códigos puestos en marcha por él mismo hace más de cuarenta años y adaptándolos de formar elogiable a nuestros tiempos.

En esta nueva visión posmodernista que Romero nos ofrece sobre un particular Apocalipsis zombie son los protagonistas, jóvenes realizadores de cine, victimas y a la vez generosos transmisores de la barbarie caníbal que se cuece a su alrededor, poniendo en el punto de mira a los medios de comunicación y la influencia directa que ejercen estos sobre el pueblo en contra de las nuevas formas de comunicación de la era 2.0 y sus “verdades” instantáneas. Con un continuo juego metalinguístico ayudado en el uso discursivo de la cámara subjetiva (contemporánea en este aspecto de la excepcional [REC] a la que homenajea de forma totalmente inconsciente, prueba del zeitgeist que vivimos) y a su vez apoyado en el mordaz y insolente uso de sus armas hemoglobitas y de un magnifico, saludable y descarado sentido del humor.

Y es que, a su forma, y en gran medida este diario de los muertos de Romero es al cine de terror, en general, y al de zombies, en particular, lo que Cloverfield al genero fantástico y de catástrofes, jodidamente necesario. Y la muestra más apasionada, viva y subversiva del genio de Romero.

Dejemos claro una cosa, la honestidad es un valor que considero indispensable para cualquiera que se dedica a la música. Y no hablo ya de ser honesto con el público, algo obvio y necesario, si no de serlo con uno mismo. Y los Replacements fueron uno de los grupos que llevaron como bandera la misma, empezando por su propio nombre, toda una declaración de intenciones.

Englobados dentro de aquello que pasó a denominarse como nuevo rock americano, del cual R.E.M. era la cabeza más visible, siempre tuvieron sobre ellos la losa maldita de su propio carácter autodestructivo, solo hay que ver algún directo de principios de los 80 para observar de lo que eran capaces los Mats por entonces. Pero todo eso formaba parte de su enorme singularidad, algo que los hacia realmente únicos en su especie, aunque en sus comienzos más duros y hardcore se les comparase con sus hermanos mayores los grandiosos Hüsker Dü.

Pero Paul Westerberg y los suyos siguieron avanzando, alcanzando con “Let It Be” el punto de inflexión de una carrera genial, los Mats sin quererlo se marcan uno de los discos de la década y muestran las directrices del rock independiente americano. Hay más honestidad en los acordes de ‘Black Diamond’ que en cualquier disco de U2. Y los maravillosos golpes ocultos de este “Let It Be” siguen dando donde más duele después de más de 25 años, y si no me creen prueben con ‘Sixteen Blue’.

La línea abierta que supuso ese salto al vacío que fue “Let It Be” fue explorada en profundidad en su otra obra maestra titulada “Pleased to meet me” donde canciones como ‘Alex Chilton’ dejaban bastante claro por donde iban los tiros. El gusto por la melodía exquisita, los medios tiempos que arañaban por dentro, guitarras que tocaban el cielo y todo cantado con la voz rota de Paul Westerberg y la rabia de una banda con mucho que decir.

Más de 15 años después algunos medios “especializados” elevarían a lo más alto de la música americana a grupos de enorme talento con el rastro de los Mats a sus espaldas. Y ahora díganme si Skyway no es más Wilco que los propios Wilco. La aventura de los de Minneapolis acabo en 1991. El Grunge. Nirvana conquistando el mundo. Y entonces dijo Rich Robinson: “sabía que algún día los Replacements acabarían de alguna forma por triunfar”.